PREMIO HASSELBLAD
El Premio Internacional de la Fundación Hasselblad, también conocido
como Premio Hasselblad, es un galardón sueco equivalente a 110.000 euros, es otorgado
anualmente por la Fundación Erna y Víctor Hasselblad, para reconocer aquellos fotógrafos
que han realizado una labor destacada dentro de su campo.
En el siglo XXI fue creado el Premio Hasselblad de Maestros
dirigido a aquellos fotógrafos con una incidencia importante dentro del campo
de la fotografía artística. Cada año el comité ejecutivo de la compañía
Hasselblad escoge y otorga este distintivo junto con la publicación de un libro
de gran formato que contiene los trabajos de los fotógrafos seleccionados.
A continuacion presento una seleccion que contiene algunos de los ganadores de este reconocimiento y quienes a mi parecer tienen un trabajo admirable, inspirador y que posee cierta resonancia en mi.
Malick Sidibé (1936-78
años)
Fotografo de Malí
Nació en Soloba, estudió dibujo y joyería en la Escuela de
Artesanos Sudaneses. En 1955 entró en contacto con la fotografía y en 1958
abrió su propio estudio (Studio Malick) en Bamako, se especializo en la fotografía
documental.
A partir de la década de 1970 se centró en los retratos de estudio.
En 2003 recibe el Premio Hasselblad y en 2009 el premio PHotoEspaña Baume et
Mercier a su trayectoria profesional en el ámbito de la fotografía. Su habilidad y destreza se expresan sin igual en su desarrollada
condición de retratista, así como la sensibilidad y personalidad presente en cada
una de sus obras.
Su fotografía es bastante simple, aunque no por eso menos
interesante o digna de mención, abundan escenas cotidianas, de su ambiente, de lo
familiar, cultural y social, en donde lo fascinante reside en la manera tan
genuina en como las representa. La mayoría de su obra fotográfica consta de
retratos y escenas típicas, en blanco y negro, implementa el uso de cicloramas (especialmente
de rayas ascendentes), fondos texturizados, o motivos decorativos, para dirigir
la mirada del espectador y centrar su atención. Es a través de estos elementos,
que compone y crea un espacio, en donde dimensiona y retrata a sus personajes.
En ocasiones dentro de sus fotografías podemos percatarnos que es la misma ropa
la que roba nuestra atención, dota de personalidad y vida al encuadre, mientras
que refuerza y refleja esa característica tan peculiar y dominada a la
perfección por este fotógrafo de Malí. Tiene un don bastante claro para fusionar e integrar estos
elementos, y sintetizarlos en una gran toma con voz propia y verdadera. Para
Sidibé el arte nos permite ir más allá de las fronteras y a su vez esta es la
mejor manera de atravesar estas fronteras.
Ansel Easton Adams (1902-1984)
Fotógrafo Estadounidense
Reconocido y afamado mundialmente por sus fotografías de
paisaje en blanco y negro, las más famosas y relevantes son del Parque Nacional
Yosemite de Estados Unidos. Adams posee
una habilidad para retratar y reflejar la majestuosidad a través de un pulido y
medido manejo de contrastes entre luz y sombra.
Su labor y obra estuvieron centralizadas y enfocadas en
captar la belleza y magnificencia
presentes dentro de la naturaleza de los Estados Unidos. Sin duda alguna
era un individuo que conocía a profundidad su herramienta de trabajo, hasta
donde forzarla y todo lo que podía lograr con ella. Sus fotografías se han
convertido en auténticos iconos representativos de la belleza natural
estadounidense. Cabe destacar la manera en la que es capaz de dotar de esta
cualidad de grandeza, casi que se puede percibir, invade la mayoría de sus
fotografías y es el elemento principal a comunicar. Es interesante como utiliza
la ausencia del color para evitar distracciones y volcar la atención a la
composición y lo que evoca.
Utilizo su
reconocimiento, posición dentro del medio y su obra fotográfica para dar a
concientizar y proteger la naturaleza salvaje norteamericana. Lucho por
defender la conservación del paisaje natural y de la vida animal. Su trabajo
más destacado y afamado incluye imágenes del Parque Nacional Yosemite, El Cañón
del Colorado, Yellowstone, Las Montañas Rocosas, etc.
Waalid Raad (1967- 47
años)
Fotógrafo y Artista Multimedia
Libanés
Con el fin de documentar e investigar la historia contemporánea
del Líbano, este fotógrafo ha experimentado con nuevas y diversas maneras de
acercarse a las imágenes de guerra, explorando a través del arte conflictos
políticos y sociales. Su trabajo expone principalmente el cómo la historia
puede ser contada, fabricada o construida de un sinfín de maneras.
Desarrollo una serie de fotografías de coches recortados, estos fueron utilizados como coches bomba y los acompaño de textos en árabe que detallan la fecha, hora, lugar, el número de víctimas y hasta la carga y el tipo de explosivo de esos vehículos. Sus obras y montajes suelen ser de gran formato, en ocasiones son acompañadas de proyecciones o inscritas en montajes específicos. Dentro de sus obras los documentos sumergen los datos históricos dentro de este nuevo universo imaginario.
Raad emplea el archivo para cuestionar la naturaleza de la
obra de arte, más allá de esto, nos hace reflexionar en la manera cómo creamos
nuestras propias imágenes y cómo las descodificamos.
Por medio de su trabajo fotográfico se cuestiona la
iconografía propia de la fotografía de guerra y genera una reflexión sobre la
memoria, aquello que vemos, la crueldad y la violencia.
Algo que me parece verdaderamente fascinante es la
diversidad de temáticas, maneras, formatos, materiales y oportunidades de
comunicación que existen dentro del universo fotográfico y que van más lejos
del simple retratar. Es una cuestión que reside
más bien en localizar y entender lo que quiero decir, en generar a partir
de ello, un método de creación que refuerce, proyecte y refleje esa intención
en todo su esplendor, con la mayor claridad y especificidad posible.
Jeff Wall (1946-68
años)
Fotógrafo Canadiense
Interesado desde muy pequeño por la pintura y el dibujo,
inspirado y motivado por las reproducciones de grandes pintores como Rembrandt,
Michelangelo, Piero della Francesca convenció a su padre de sus dotes
artísticas y consiguió que se acondicionara un cobertizo en la parte trasera de
casa para poder utilizarlo como estudio. Experimentador asiduo de lo novedoso,
principalmente las corrientes conceptuales y minimalistas. Se formó y gesto
durante una época de efervescencia cultural y artística importante.
Aprendió de forma autodidacta la fotografía, la selecciono
como herramienta predilecta y favorita para expresar sus ideas conceptuales. Su
obra ha permitido definir el llamado fotoconceptualismo. Sus fotografías son
cuidadosamente planificadas, como la escena dentro de una película, controla
hasta el más mínimo de los detalles. Sus composiciones se encuentran
previamente pensadas y estructuradas, recreadas o re imaginadas, a partir de
clásicos pintores. No fotografía nada de primera mano, solo piensa, vive y experimenta
los momentos que después recrea dentro del cuadro.
Su manera de fotografiar es
a partir de una construcción. Su trabajo tiene por ende, en la mayoría de los
casos, por una cualidad narrativa. Que
se genera por cada uno de los elementos que la conforman, cada cosa esta
pensada y tiene una función comunicativa y expresiva.
Trabaja formatos bastante
grandes que obtiene realizando transparencias colocadas en cajas de luz. Sus
fotografías retratan temáticas políticas y sociales, sobre el racismo, la
violencia, la pobreza, presentes en las calles y los conflictos de género y de
clase social.
David Goldblatt (1930 - 83años)
Fotógrafo Sudafricano
Creció en un entorno bastante liberal y tolerante para la
época, fue criado por una nana negra, provenía de una familia blanca acomodada,
era hijo de un abarrotero, nieto de migrantes lituanos de origen judío. Fue a
través de la ideología afrikáner que se
vio envuelto en una posición moralmente compleja, pudo ser participe del
maltrato y las humillaciones sufridas por la población negra. A partir de la
implantación del apartheid se cuestionó la manera en la que podría alcanzar la
tranquilidad y paz mental, siendo un hombre blanco y judío, y más aún dentro de
un país donde el racismo estaba prácticamente institucionalizado.
A través de su fotografía descubrió un modo particular de
hacer política, de asumir una posición moral, de analizar y exhibir las verdades,
peculiaridades y realidades de su país.
Aunque su fotografía tiene claramente un tinte político se
opone a que sean usadas como propaganda, como elemento particular de una
militancia. En sus fotografías no se retrata
a nadie sin previo consentimiento, siempre
dentro de su contexto, promulga y
practica el respeto a la dignidad del otro, no existen la condescendencia o los
delirios de superioridad moral. Es un retratista de realidades, tal cual las
percibe, con sus tintes y contrastes, en sus momentos más álgidos, o como
sociedad fragmentada.
En su fotografía se percibe casi que una necesidad de
ecuanimizar a los sujetos, de nivelarlos, de darles el mismo sitio e
importancia. Se centra principalmente en revelar, acercar y dirigir al espectador a los
detalles, utiliza la profundidad de campo siempre puesta al infinito. Su fotografía
es reflexiva y meditativa, utiliza elementos básicos para crear sus atmosferas,
se sirve de la luz para realzar las texturas y crear esos fascinantes contrastes.
William Klein (1928 –
86 años)
Fotógrafo Estadounidense
Rebelde de corazón, inconformista por naturaleza,
antiburgués y libertario, tuvo una notable influencia dentro de la fotografía
de la segunda mitad del siglo XX
Klein es un individuo obsesionado y apasionado con las
multitudes, en todo lo que pulula y se moviliza dentro de ellas, es un claro
observador de las oportunidades que ahí se encierran. De captar su esencia y de
transmitirnos su peculiar forma d ver. Extrae lo necesario del caos urbano de
las grandes ciudades y se sirve de ellos para crear su propio estilo, el cual
era sumamente libre, informal, totalmente expresivo, muy en contraste y en
oposición a la fotografía convencional.
Una de las cuestiones más destacadas, significativas y
representativas del estilo de Klein es la mezcla de distancia y proximidad,
presentes en la mayoría de sus obras. Sus recursos formales favoritos son
indudablemente el close up y el gran angular, los utiliza para adentrarse y
explorar a las multitudes que retrata.
A través de la experimentación y
libertad desenfrenada consiguió lograr panorámicas que parecen dar la vuelta al
mundo y fusionarse en sus esquinas. Deformar los cuerpos de las mujeres,
descubriendo nuevas dimensiones y puntos de vista inusuales y llamativos. Si
algo ha permanecido y se ha mantenido cabalmente desde los inicios de su
carrera es su independencia, el explorar lo poco convencional, el romper las
reglas y lo establecido, y en seguir lo que te dicta la intuición propia.
CHRISTER STRÖMHOLM
(1918-2002)
Fotógrafo y Pintor
Sueco.
También se le conocía con el nombre de Christer Christian.
Se le reconoce a nivel mundial por sus
famosos e íntimos retratos en blanco y negro, tomados en las calles de la
escena parisina, luchó por dotar de mayor visibilidad a la comunidad transexual
de París, principalmente durante los inicios de los años ochenta.
Strömholm fue estudiante, y mas adelante profesor de arte,
tutelado por Waldemar, Dick Beer y Winkler. Formaba parte del grupo Otto
Steinert Fotoform, que pertenecía a la corriente de la fotografía subjetiva.
En 1997 publicó su libro Kloka ord (Palabras cuerdas) y más
adelante en 1998 recibió el Premio Hasselblad.
El compartió que fotografiaba porque la gente que trabajaba
en los periódicos asumía que era alguien profesional por el simple hecho de
llevar una cámara colgada al cuello, era algo que se le hacia fácil y además le
pagaban en el momento, lo cual lo hizo todavía más atractivo y funcional para él.
Tuvo la oportunidad de retratar a famosas personalidades y
artistas tales Léger, Duchamp, Man Ray, Le Corbusier. Algo que cabe mencionar es que no tenía
problema con ser retratado u objeto de una fotografía, de hecho lo encontraba
placentero y agradable, esto lo menciona en su libro In Memory Of Himself.
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