Antecedentes de La Historia del Cine

Mucho antes de la llegada del cine  aparecieron diversos y múltiples aparatos y maquinas que tenían la función de entretener a chicos y grandes, estos son algunos de los juguetes o inventos pre-cinematógrafo que inspiraron y dieron paso a la aparición del cine como lo conocemos ahora.

Uno de los primeros es la denominada linterna mágica, tenía un solo lente y consistía en proyectar una imagen pintada a mano sobre una placa de vidrio en un lienzo o soporte blanco. También existía el teatro de sombras, que trataba de aludir el movimiento de la vida real a partir de las sombras proyectadas de objetos superpuestos o combinados o haciendo figuras entrelazando brazos y manos. A medida que van avanzando los años y que van descubriéndose más datos sobre el funcionamiento del ojo, alrededor del siglo XIX, comienzan a gestarse nuevas formas de entretenimiento y de mecanismos para el estudio de los ojos, la mirada y la visión. En la ciencia es descubierta la llamada persistencia retiniana y con  ella surgen una serie de aparatos e inventos tales como, el zootropo, traumatropo, fenakistiscopio, praxinoscopio, todos ellos ayudaron y comprobaron de manera sustancial este peculiar descubrimiento.

Estos inventos y aparatos utilizaban una técnica muy similar a usadas para la realización de películas de dibujos animados, todo esto se lograba dibujando una secuencia de imágenes con un claro movimiento, que al ser mostrados rápidamente nuestro cerebro las registra como una serie de imágenes continuas , aunque en realidad están separadas, dando con esto la impresión de estarse moviendo. Aunque podría parecer que estos pequeños juguetes eran solo cosa de niños, no cabe duda alguna que muchos de estos formaron parte de la vida y la infancia de muchos de estos grandes inventores. No solo les dieron horas de entretenimiento sino que también los inspiraron y nutrieron de deseos por ir mas allá, de dotar de “vida y movimiento” a lo estático. Es claro que màs adelante darían paso al descubrimiento del proyector de películas y a la cinematografía tal cual la conocemos, fueron parte de los orígenes y cimientos.

Otro invento conocido con el nombre de Kineógrafo, patentado por John Barnes Linnet, y que lleva por significado imagen en movimiento, es lo que se toma como el primer flipbook de la historia, este suceso tuvo lugar en septiembre de 1868, ya que fue la primer secuencia lineal de imágenes, a diferencia de la circular (usado en el fenaquisticopio). Más adelante en 1894, un pionero dentro del cine Aleman conocido como Max Skladanowsky mostraría por vez primera un flipbook elaborado únicamente por medio de imágenes fotográficas. En 1895 Desarrollaría su propio proyector de cine al lado de su hermano Emil.

Otro de los grandes y más destacados inventores de la época fue  Thomas A. Edison responsable de la construcción del primer flipbook mecanizado denominado  mutoscopio, a través de un cilindro rotativo central se montaban diversas paginas a manera de libro, en aquella época se colocó como una de las atracciones más populares inclusive llego hasta mediados del siglo veinte, como  una máquina operada a base de coins o monedas en los parques de diversiones.

A medida que surgían más inventos, crecían los deseos de científicos, investigadores, , astrónomos, curiosos, visionarios, genios y estudiosos. Eran muchos los que ansiaban poder dotar de mayor movimiento y realismo a las imágenes, ya no solo bastaba con capturar el momento y atesorarlo, ahora era posible animar lo estático, era sorprendente visualizar frente a los a nuestros propios ojos a una serie de dibujos o fotografías, era una secuencia, una narrativa, una fábula, un cuento. Todo se mostraba de manera más completa y sencilla.

Estos continuos descubrimientos y deseos fueron parte de lo que motivo a Muybridge, quien logro fotografiar el recorrido de un caballo galopando, para esto monto una serie de cámaras oscuras, 24 en total, alineadas y dispuestas en línea recta, usando placas de colodión húmedo, obteniendo una secuencia del movimiento de las patas de un caballo desde el arranque como durante el recorrido, vislumbrando la manera correcta de representación del mismo, cuestión que llego ha modificar La manera en la que se pintaba dentro del campo del arte. Un filósofo contemporáneo a Muybridge llamado Marey trato de llegar a resultados similares,  a diferencia de Muybridge exploro otras maneras de dar solución a dicho problema, utilizando una sola cámara adaptándola con un rollo de película Kodak logro fotografiar y capturar, realizando varias exposiciones sobre la misma toma, una secuencia desplegada de movimiento, como si fuera una estela con principio y final, una imagen que mostraba el desplazamiento del objeto retratado.

Era cada vez más inminente que pronto darían con el hilo negro, con el camino indicado y con los elementos necesarios para lograr reproducir, ya fuera a partir de imágenes o fotografías, secuencias de imágenes en “movimiento”, faltaba poco para el nacimiento del cinematógrafo.  

Aunque fueron muchos los lugares donde se proyectaron los distintos films, ninguno llego a tener el reconocimiento y el éxito que alcanzaron los hermanos Lumiere, a ellos se les acuña el término del cinematógrafo, y son muchas las cintas que se rescataron, se dice que muchas se perdieron o se dañaron. Sus películas solían ser muy sencillas, sin una temática o narrativa muy elaborada, mostraban la vida cotidiana y lo chusco de la misma, iban más enfocadas a lo cómico, burdo  y directo.

Plauteau, Reynaud y Stempfer son los encargados de introducir movimientos de cámara más audaces, arriesgados y creativos, dotados de mayor expresividad, surge la profundidad de campo, que es el ZOOM in o out dentro del cuadro, o los famosos paneos, vistas laterales, con esto se logró una mayor flexibilidad, emotividad, dinamismo y realismo a las cintas. Más adelante se pone mayor atención, trabajo y cuidado en los sets de grabación, en la escenografía y vestuario. 

Un buen ejemplo de esto se da con las cintas de Méliès, quien lleva sus conocimientos y experiencia teatral a la pantalla grande, dotando sus films de una narrativa más cuidada y estructurada, expresiones más exageradas y dramáticas, efectos más sorprendentes e historias más ricas visualmente, incluso llega a llevarnos a visitar la luna o al fondo del mar.

La Cámara Oscura y La Cámara Lúcida.

La base física en la que se fundamenta y se da respuesta al funcionamiento de la cámara oscura podría relacionarse o sustentarse en el efecto pinhole, término acuñado por el científico ingles David Brewster, el cual conlleva la formación de imágenes invertidas provocadas por la luz al momento en que esta viaja a través de un pequeñísimo orificio. Estos principios se encargan de dar origen a inventos y descubrimientos tales como la cámara oscura, la cámara lucida y devendrían en versiones actualizadas y pulidas de las cámaras fotográficas actuales, desde sus inicios y hasta nuestros días, estos aparatos no solo han ayudado al entendimiento y comprensión de la incidencia de la luz sino también a la manera en que operan nuestros ojos e incluso nuestro cerebro con relación a las imágenes y el mismo hecho de observar. Gracias a estos estudios e investigaciones tenemos conocimiento de fenómenos como el de la persistencia retiniana, el cual fue comprobado y desmenuzado a profundidad por personalidades como Newton y el Caballero d’Arcy en los siglos XVII y XVIII.

Este fenómeno o imperfección visual fue descubierta por Peter Mark Roget, quien básicamente expuso que una imagen es capaz de permanecer en la retina humana aproximadamente una décima de segundo antes de desvanecerse por completo. Lo cual, a través de diversos estudios logro demostrar que la realidad podía percibirse  por medio de una secuencia de imágenes ininterrumpidas en la que se podía calcular fácilmente la distancia y  velocidad de desplazamiento de los objetos a nuestro alrededor. Si no existiera esta cualidad tan peculiar se dice que veríamos nuestro entorno como una sucesión de imágenes estáticas e independientes. 

A Plateau se le atribuye el descubrimiento de que el ojo humano es capaz de ver con una cadencia equivalente a 10 imágenes por segundo. En dicho planteamiento, las imágenes se superponen en la retina, para después ligadas o secuenciadas por nuestro cerebro, dando como resultado una sola imagen visual y en movimiento “continuo”. De aquí surge el supuesto de que el cine se apoyaba y hacia uso de este artilugio o imperfecto visual en aras de provocar dicho efecto y proyectando 24 imágenes por segundo, lo cual permite que nuestro cerebro genere la ilusión de movimiento. 

En la pantalla chica o también llamada televisión consta de 25 fotogramas por segundo. Por eso es innegable que tanto la cámara oscura como la cámara lucida contribuyeron al descubrimiento de las imágenes en movimiento, son las bases y fundamentos que abrieron el panorama y permitieron el nacimiento del cine y la televisión.

Linterna Mágica

Tanto en la mayoría de las cámaras fotográficas, la cámara oscura e inclusive en nuestro propio ojo existe la participación de elementos para poder enfocar la imagen, en nuestra cámara usamos el objetivo y en el caso del ojo humano el cristalino.

Como dato curioso cabe mencionar que existe una variante de la cámara oscura, denominada cámara estenopeica que opera única y exclusivamente a expensas del efecto pinhole (luz que cruza a través de un pequeño orificio) para sacar fotos, y no utiliza ningún tipo de lente.

También existen referencias a este tipo de cámaras desde la antigüedad de la mano de Aristoteles dentro de su obra problemas, se cree que él fue de los primeros en experimentar con la que muy probablemente haya sido la primera cámara oscura de la que se tiene referencia, explica cómo es que si se hace un pequeño orificio en la pared de un cuarto oscuro, en la pared contraria se obtienen imágenes invertidas del exterior.

Más adelante este procedimiento seria rescatado y reutilizado nuevamente por Leonardo da Vinci al igual que por otros tantos artistas del renacimiento para poder trabajar la perspectiva de la manera más efectiva.  Se pintaron imágenes del exterior en el interior de cámaras (habitaciones) oscuras.

Uno de los personajes que acuñan este término y hace referencia a estos grandes cuartos y da la raíz del termino de cámara es Kepler (1571-1630).  Al debemos que hoy se le denominen cámaras fotográficas y no cajas fotográficas. Inclusive se dice que  para poder realizar dibujos topográficos y la ilustración de paisajes Kepler diseño una cámara oscura portátil. Esta tenia el aspecto de una tienda de campaña, de forma cónica, con una especie de periscopio giratorio y lentes y espejos distintos permitían proyectar la imagen sobre una mesa horizontal, sobre la cual uno podía dibujar fácil y cómodamente.

Para concluir podríamos decir que básicamente las diferencias más significativas que existen entre la cámara oscura y la cámara lucida residen en la manera particular en la que operan, en los elementos que se utilizan y participan en cuestión, en el caso de la Cámara oscura (CO) es un fenómeno más mecánico, que depende únicamente de la cantidad de luz, del tamaño del orificio por el que pasa la misma, y de la proyección invertida de la imagen del exterior. En cambio la Cámara lucida (CL) implicaba un trabajo de montaje, de entendimiento y comprensión del fenómeno e incidencia de la luz, de poder manipular y hacer uso de los distintos lentes y/o espejos, además de la vista, para ir copiando y dibujando. Era más talacha e implicaba un mayor componente de variables humanas.  

Cámara Obscura

Cámara Lúcida

Es evidente que los procesos particulares en la construcción, operación, reproducción y comprensión que estos 2 descubrimientos representaron dentro del dibujo, la fotografía, la ilustración, el ámbito artístico, la ciencia, la copia del paisaje y la realidad,  todo esto fue sin duda parte de lo que cimentó y provoco el descubrimiento de las imágenes en “movimiento” y de lo que más adelante se denominaría la magia del cine.

Expectativas del curso de imágenes en movimiento:

Básicamente mis expectativas consisten por una parte en lograr aplicar de manera correcta y efectiva la gran mayoría de las técnicas y conocimientos que desarrolle el semestre pasado en la materia de fotografía, y de alguna manera, sumarlos a todo lo que veremos este semestre, ademas de lograr llevar mi producción gráfica, a lugares insospechados y con un sin fin de posibilidades expresivas  nuevas y frescas, al dotarla de movimiento o una especie de "vida" al animar mis diseños o modelados, dando la apariencia de movimiento,  todo esto a través de las nuevas practicas y los módulos que conforman el curso de imágenes en movimiento.

Uno de mis grandes proyectos en lista de espera desde hace ya mucho tiempo era el de realizar una secuencia animada con modelos de plastilina, así que estoy mas que entusiasmado y dispuesto a entrar de lleno a los tejes y manejes, a la etapa de experimentación y desarrollo de estas técnicas, y claro, de todo el material y oportunidades que nos brinda, el curso, nuestros excelentes profesores y la institución.

Si algo aprendí del curso anterior es que tengo una fuerte inclinación y un marcado gusto por trabajar con pequeños sets, y ser capaz de controlar todo lo que sucede en escena,  desde los elementos en foco, las luces, la paleta de colores, la narrativa visual, etc. Todo esto con el claro objetivo de producir y generar imágenes con cierto grado y poder discursivo que cumplan con aquello que deseo mostrar y decir. Por esta misma razón me gustaría seguir explorando las posibilidades y opciones que pueden abrirse a partir de estas nuevas formas de abordar e incidir creativamente sobre mi producción gráfica y visual.

Comentario Final

No cabe la menor duda que este semestre además de corto en cuanto a duración estuvo plagado de imprevistos que provocaron la perdida de varias clases, sin embargo, a mi parecer y en base a mi experiencia propia, desde el inicio del semestre y hasta finales del mismo no me queda más que una enorme satisfacción, pues considero que además de haber generado un gusto en la toma y producción de imágenes fotográficas, logre superar ese temor a expresarme a través de la cámara, conseguí manejar los artilugios básicos, entendiendo el funcionamiento y aplicando diversas variables, obteniendo resultados pensados y esperados. Fue un viaje y una búsqueda a través de hordas de imágenes, todo con el objetivo de encontrar una manera de expresarme por medio de esta herramienta. 

Y aunque aún no  aterrizo del todo mi propuesta creo que dentro de lo fotográfico, he sido capaz de encontrar ese lugar en el que me siento cómodo y libre para proponer, decir y crear. Gracias a las imágenes producidas a lo largo del curso tengo una visión más clara del camino a seguir y de aquello que conforma mi mirada y que quiero proponer a través de mi producción.

Agradezco enormemente las enseñanzas, la determinación, el compromiso, la constante guía y exigencia del profesor Di Castro, fue clave esencial dentro de nuestro proceso y es gracias a esa entrega y constancia que el grupo entero consiguió sus objetivos. Fue enriquecedor y muy gratificante el haber podido conocer y desarrollar imágenes a través de procesos antiguos como la cianotipia. Creo que sería interesante que pudieran incluirse más practicas enfocadas al conocimiento y experimentación de este tipo de técnicas y procesos antiguos.

En aras de lograr una clase más eficiente y funcional me gustaría proponerle al profesor Di Castro, en caso de ser posible, que se realizara una evaluación muy puntual, escueta y concisa de cada uno de los ejercicios propuestos, tratando de englobar en el comentario los aspectos destacables dentro de la toma y los claros errores que se vislumbren, para darle una mayor agilidad a las revisiones, y aprovechar las clases para avanzar en cuanto a temáticas y prácticas pendientes, todo esto podría exponerse en el blogger del alumno.

También he de decir que me hubiera encantado realizar más prácticas en el laboratorio de foto y/o utilizar el estudio para realizar diversos ejercicios. Desafortunadamente la mayoría de las veces este estaba ocupado o apartado para otros grupos o alumnos. Sería bueno reservar el espacio para realizar prácticas específicas.

Algo que ayudaría a agilizar el flujo de las clases seria que el alumno realizara pequeños comentarios, muy concretos, de las cosas que encontró difíciles o problemáticas en cada ejercicio, que expresara en breves palabras lo que le gustaría lograr, teniendo estos elementos antes de las revisiones, se evitaría perder tiempo de clase en ello.

Dicho esto, me pareció que el ritmo, de las clases fue bueno, que los contenidos, las ligas, los libros, lecturas y el material didáctico brindado fue bastante acertado y de gran ayuda para la elaboración de los trabajos y ejercicios. Me parece que las bases y las intenciones de generar un programa rico y eficiente están sobre la mesa, lo único que falta es seguir nutriendo y probando lo que se adecua mejor a cada uno de los grupos.

Por último, solo me resta agradecer enormemente al profesor Andrea Di Castro, y a todos los integrantes del equipo de trabajo, a Itzel, Abel y Alexis, por guiarnos y apoyarnos en cada momento a lo largo de este proceso. 

Conferencia Magistral: Fernando Monreal

IMAGEN, MATERIALIDAD Y TECNOLOGÍA 

Fernando Monreal

Monreal es filósofo, trabajó cinco años en el centro multimedia del CNA y actualmente estudia un doctorado en historia del arte. Comenta que las artes en México, durante los años 90`s sufrieron una re-configuración dada la implementación e inserción de nuevas tecnologías tales como la computadora. También comento que el fotógrafo Andrea Di Castro fue uno de los exponentes más representativos dentro del campo experimental en esta etapa.

Monreal hizo una invitación general al auditorio para que se cuestionara o se reflexionaran los aspectos que definen y conforman a la imagen. Dentro del campo de la historia del arte, señalo que debemos re-pensar y re-plantearnos la concepción y percepción de la misma, más ahora que vivimos cambios importantes patrocinados y de la mano de la venida de las nuevas tecnologías. Advierte las influencias europeas dentro de los estudios visuales, la imagen circula a través de la sociedad y la cultura, esta provista de una especie de “vida”. Señala que la mirada del artista y también la del receptor, forman parte de una construcción que se hace de manera histórica. 

Expone que ciertamente hay una marcada diferencia entre ver y mirar. Para Monreal la mirada no es algo natural, eso no existe! Más bien es una construcción cultural, esto a su vez mediante ciertos aparatos.

Monreal realiza dos apartados, estos se dividen en imagen visual e imagen tradicional.

Hay dos aspectos que debemos considerar para comprender y tratar de entender una imagen de manera tradicional, estos son, la forma y el contenido.

Forma: está compuesta por la línea, el color, la textura, cualidades espaciales (en el caso de la escultura o la instalación), la composición y organización de la imagen.

Contenido: se refiere  a los aspectos no formales, al tema, al tema, los motivos iconográficos, el estilo, fuentes literarias.

En base a esto nos percatamos que es imposible explicarnos y catalogar al arte contemporáneo bajo estos términos y criterios. Ya que aunque podemos ordenar y separar mediante las diversas técnicas o el uso de diferentes materiales, no podemos incluir procesos, fenómenos, que intervienen y se suscitan en determinada temporalidad, que manejan o poseen otra dimensionalidad y conformación dentro del espacio.

Más adelante Monreal nos habla sobre la imagen técnica, que a grandes rasgos, es aquella que se relaciona de manera directa con los aspectos técnicos y tecnológicos. La imagen siempre cuenta con una historia técnica, las imágenes son artefactos que pueden ser vistos y proponen formas de mirar. La mirada esta medida, no es imparcial sino histórica. Define al artista como un constructor de miradas que se construyen a partir de aparatos tecnológicos. Para Monreal un aparato es una máquina, que condiciona nuestra manera de mirar, comprender y ordenar el mundo que nos rodea, también regula lo visible e invisible. 

A través de los aparatos somos capaces de realizar un proceso de interiorización, de comprender, entender y ordenar la realidad. Es un proceso no solo de re-producción, sino también de acomodo y organización, para más adelante captar y percibir, el espacio y el tiempo. Entendido de esta manera, podemos decir que la perspectiva nos presenta una realidad teatralizada. El aparato no solo crea las imágenes, a su vez revela y acompaña a estas con la manera en la cual podemos comprenderlas. El aparato condiciona la manera en la que asimilamos y comprendemos, fracciona y detiene el tiempo.

Aquí Monreal nos señala que La cámara fotográfica está construida para un ente y una mirada monocular, a diferencia de la perspectiva esta incluye y da su lugar al cuerpo. Muy al contrario de lo cinematográfico, construido para ambos ojos, para una mirada y un cuerpo en movimiento. Nuestra mirada actual está regulada y medida por el avance tecnológico en el que vivimos inmersos, sumamente inestable, el Internet, los medios virtuales y los procesos de producción digital.

Monreal hace hincapié en que actualmente nos encontramos experimentando un fenómeno de hipervisualidad, es como el habitar un laberinto, aquí hace alusión a la estructura del internet, la matrix, toda esta serie de códigos, que crean vertientes por las cuales circular. Nuestra mirada se ha hecho presa de mecanismos y herramientas que le permitan acceder y salir, que direccionan y dirigen nuestra forma de transitar dentro de este universo plagado y saturado de interconexiones. 

Hoy en día La imagen se ha transformado en un simple flujo de información. La mirada ya no es fija, la maquinaria es ahora, quien prácticamente domina y condiciona nuestra forma de mirar, lo hacemos bajo ciertos esquemas técnicos y tecnológicos. La imagen de la era postmedia o contemporánea supera por mucho la antigua idea de ordenar la realidad a través de la forma y el contenido, se han abierto nuevos canales y formas de mirar. 

Es aquí cuando el ponente cierra su conferencia a la vez que deja en el aire una pregunta que nuevamente desea que el auditorio reflexione…

 ¿Sera necesario seguir creando imágenes?

Conferencia Magistral: Mauricio Alejo

Mauricio Alejo:

Artista y fotógrafo, estudio artes en la universidad de Nueva York (NYU).

Antes que nada y sin duda alguna  debo decir que este ha sido mi ponente preferido dentro de este primer ciclo de conferencias magistrales. A mi parecer su trabajo refleja una intención muy clara en cuanto a lo que desea mostrar, decir, evidenciar y sobre lo que ha explorado desde sus inicios y hasta la actualidad. No solo me parece bien logrado, sino funcional, acertado y  muy bien estructurado. Alejo data que en un inicio trato de introducirse en el universo de las artes a través de lo literario y de la escritura, pues era algo que le gustaba, pero más adelante lo descarto pues sentía que no estaba teniendo los resultados que esperaba y decidió explorar de la mano de una lente aquello que conforma y constituye a lo fotográfico.

Algo que caracteriza la obra de este artista es la intuición específica que reflejan sus obras, dentro de la dimensión, el tiempo y el espacio. Alejo  suele manejar y retratar objetos cotidianos en universos y construcciones que rompen con ese contexto original, son una construcción compleja y conceptual. Algunas manejan aspectos más superfluos o fáciles de reconocer, y otras, por el contrario, están solo al alcance de una mirada más curiosa, incisiva, estudiada y cuestionadora. Algo que cabe señalar es la importancia del aspecto escultórico, lo cual es representativo de Alejo y está presente en la mayoría de sus obras. Le gusta propiciar esta aura despreocupada y desprolija dentro de lo cotidiano, está en contra del exceso de pretensión dentro de sus fotografías. Menciona que las personas tendemos a dotar a las cosas de diversos y distintos significados, y que esto en particular es algo que también sucede dentro del universo de lo propiamente artístico.  

Dentro de este primer bloque destaco que a veces el tratar de explorar ciertos medios a través de un aprendizaje regulado, permeado por una institución, prejuiciado y encaminado, tiende a opacar, confundir y lastimar el proceso tan enriquecedor y revelador de lo que sucede con el autodidacta.  Que es algo difícil de mantener y cuidar, pero que debemos tener en cuenta a la hora de embarcarnos en este tipo de aventuras.

A lo largo de la magistral el artista se dedicó a mostrarnos diversos trabajos y proyectos, el primero de ellos consistía en una serie de radiografías de maletas de viaje, donde podía observarse el interior, y junto con este, los objetos que contenían, en base a esto podían reconstruirse o imaginarse el sujeto al que pertenecían estos equipajes. Las obras  eran anónimas, pero se les dio nombre y organización a partir del número de serie que arroja la máquina de rayos x al pasar la banda. Su proyecto convierte al sujeto que es observado en espectador de lo que se mira de él, y el mensaje que se construye a partir de esto.  

Apunto y señalo que es de suma importancia el concientizarnos sobre las implicaciones, el uso, las consecuencias y el comportamiento de las imágenes en la actualidad, en especial dentro de las construcciones y universos virtuales dentro del Internet, como el caso del famoso Google Earth, que hoy en día es una especie de presencia de lo que en su momento fue la mirada divina. Esta invasión construida que genera Google Maps. Todo esto evidencia, que el control y dominio de la actualidad está inscrito en la mirada de las cámaras, la tecnología y sus avances están íntimamente ligados a la milicia, la guerra y al poder.

El quehacer de Alejo incluye no solo lo fotográfico, sino también la instalación, la secuencia de fotografías y el video. Comento que en sus inicios trabajo con una cámara de gran formato, una 4x5, que requería prácticamente una ceremonia para poder ser implementada y hacer las tomas pertinentes. Menciona que aconteció un periodo de transición dentro de la fotografía en México, que era evidente que existía un hartazgo generalizado para lo propiamente documental. A partir de esto el empieza a indagar, explorar y trabajar con el universo de lo cercano y cotidiano, lo emocional e íntimo, lo personal, todos estos aspectos comenzaron a tomar una mayor predominancia.

Alejo mostro diversos videos en los que juega con nuestra mirada y además construye ilusiones, a partir de objetos y ambientes cotidianos, nos remite a una primera conceptualización de lo que observamos, a través del nombre de sus piezas, y luego revela el truco, la magia, los artilugios con los que logra engañar a nuestros ojos. Hace una reconfiguración. En muchos de estos casos, cabe destacarse que el artista, no solo piensa y crea esta construcción compleja, sino que además, hace todos estos montajes de manera real, a la antigua, y a través de cuidar, la luz, la toma, y los aspectos meramente fotográficos. Ninguna de sus obras es en extremo manipulada o creada a través de programas de edición de imágenes como el caso de Photoshop. 

Alejo mostro cantidad de imágenes, pero una de mis favoritas es la que presenta dos globos en una especie de equilibrio y armonía perfecta, en completo balance y estabilidad. Disfruto no solo de las imágenes, sino también de estos ambientes y espacios, tan comunes y triviales, cuidados casi que con el mismo mimo, sus tomas son limpias, simples y a la vez complejas, meditadas y muy bien estructuradas. Su mirada cuestiona, busca de manera constante, resaltar lo inadvertido, lo sorpresivo, lo mágico que habita dentro de la cotidianidad.

Por lo tanto, la obra Alejo deviene de manera directa de lo trivial, usual, lo esperado y lo cotidiano. Se caracteriza por reflejar una suavidad aparente, cierta simplicidad, maneja una marcada y reconocible concepción del espacio a través de lo escultórico. Construye primeramente lo narrativo y se arma el set, las pruebas se realizan para captar La toma que retrata con mayor fuerza y claridad la idea que desea exponerse. La fotografía es entendida como medio de prevalencia relativa de los sucesos, de esos momentos de acierto visual, donde se produce un fenómeno interesante que rompe de manera radical con aquello que es común.

Por ultimo Mauricio Alejo comenta que el quehacer artístico es un viaje de idas y vueltas, de reconsideraciones dentro de una línea de trabajo, pero nunca suele ser continuo, ascendente y recto. Y cree que el trabajo actual está fuertemente marcado por una tendencia en la que predomina, se premia y se da mayor énfasis a la producción artística, y existe una clara carencia de protagonismo hacia el artista o a su particular estilo.

Ensayo sobre La Cámara Lúcida de Roland Barthes.

Roland Barthes

(1915-1980)

Fue un filósofo, sociólogo, ensayista y crítico francés, licenciado en lenguas clásicas en la universidad de la Sorbona. 

Ha escrito y sobre diversos temas dentro del campo del arte, la fotografía, la música y el cine.  Abordo todos estos temas de manera equivalente a su  desarrollo y trayectoria intelectual. Formo parte del equipo de colaboradores del periódico de izquierda Combat. 

Entre los galardones y condecoraciones  que se le otorgaron está el título de Chevalier de les palmes académiques, por sus importantes aportaciones dentro de lo educativo y la labor docente que realizo.

Algunas de sus obras más representativas son las que se enlistan a continuación:

Michelet - 1954

Mitologías – 1957

Sobre Racine – 1963

La Torre Eiffel – 1964

Crítica y Verdad – 1966

Sistema de la moda – 1967

S/Z Y El imaginario de los signos – 1970

El placer del texto – 1973

Fragmentos de un discurso amoroso – 1977

La Cámara Lucida – 1980: Justo en este mismo año, a los 64 años de edad muere en un accidente automovilístico cerca de la universidad de La Sorbona.

LE CHAMBRE CLAIRE

(LA CÁMARA LÚCIDA)

En un primer plano  este libro expone, despliega  y representa una introspección reflexiva que explora de manera exhaustiva  hasta el más ínfimo detalle de todo lo que constituye y  conforma el universo de lo fotográfico.

Para el autor Las fotografías son una especie de contenedor, en el que están aglomeradas la intención del propio fotógrafo, de aquello retratado y de quienes observaran estas imágenes, todos ellos dotan de significantes diversos y particulares a las imágenes. Por otro lado define a la fotografía como una aventura plagada de emociones incontrolables y viscerales, lo cual  hace de esta disciplina un arte inestable y poco seguro.

Hay un momento dentro del  texto, que me llamo mucho la atención, principalmente cuando Barthes nos participa su sentir cuando se ve presa del lente de una cámara y aparece dentro de una imagen, de cómo aunque distingue su figura, esa silueta, es incapaz de reconocer su personalidad, su esencia. El autor reflexiona sobre aquello que realmente puede capturarse dentro de una imagen y lo que sucede solo en ciertas ocasiones, y aquellos factores que determinan, provocan o juegan un papel significativo dentro de estos sucesos y fenómenos.

Es de esta manera cómo llegamos a dos conceptos, el Punctum y el Studium con los que  el autor trata de organizar, y diseccionar aquellos elementos que resaltan, conforman y distinguen entre diversos tipos de fotografías.

1) PUNCTUM: Divide el Studium, es un detalle perturbador, lo define como aquello que parece proyectarse fuera de la imagen, que puede sacudirnos y resonar con el espectador. Lo considera en gran medida producto de la casualidad.

2) STUDIUM: Es producto directo y está profundamente ligado con nuestra cultura, deviene de lo que pretende el fotógrafo, dota de sentido y funcionalidad a las imágenes. La emoción es propulsada de manera consciente lo previamente codificado (cultura, moral, política). Es lo fotográfico como testimonio, como una reproducción análoga de lo verdadero y la realidad.

Barthes considera que la fotografía es producto del pictorialismo, que nace o proviene de lo propiamente pictórico, y es, por decirlo de alguna manera, una versión exagerada de la realidad. También lo relaciona con el teatro, por esta capacidad de reflejar, evocar, plasmar y crear atmosferas, de tocar las fibras internas, de aflorar sensaciones contrastantes, llenas de teatralidad y dramatismo. 

Define y señala que el quehacer de un fotógrafo eficiente, acertado  e incisivo, no es muy diferente al de un acróbata, pues ambos deben desafiar constantemente los límites de lo probable, lo posible, lo perturbador o interesante. Pues es solo de esta forma que se logra mantener intacta la capacidad de asombro necesaria para cautivar al espectador. Labor que cada día es más compleja y complicada, no solo por la cantidad sino también por el tipo de imágenes que nos rodean y en las que estamos inmersos actualmente.

Puntualiza que si deseamos realizar una toma adecuada, efectiva e interesante de un paisaje, debemos centrarnos en capturar lugares que deseen y puedan habitarse,  ir más allá de fotografiar lugares que  simplemente puedan visitarse.

Es a partir de estas reflexiones que hace una diferenciación dentro de lo fotográfico, señalando que existe un tipo de fotografía que transforma la realidad, pero sin desmenuzarla, la califica de trivial, pues se apoya y sustenta básicamente en los aspectos meramente compositivos, carece de punctum, comunica pero su mensaje no es capaz de sacudirnos, no nos marca o transgrede. Gracias a esto podemos percatarnos y apreciar aquellas imágenes dotadas de este elemento capaz de atrapar nuestra mirada, de apelar y aludir a algo más profundo y visceral, a veces difícilmente reconocible o evidente, producto de extrañas coincidencias, en las que sobresale más el punctum, en las que se carece de una aplicación efectiva del studium, o este  juega un papel secundario, prácticamente imperceptible.

Barthes califica a la fotografía como una disciplina inclasificable, involucra muy diversas variables, de distinta procedencia, la considera un acto que depende de algo externo al objeto que produce estas imágenes. La esencia de este fenómeno no está inscrita en el aparato. Esta esta denominada, regulada y estructurada en base a diversos criterios estéticos, que bien se pueden y se aplican a otras instancias de la representación y reproducción de lo visual.

Para poder interpretar la experiencia de lo fotográfico es importantísimo no perder de foco que la fotografía es el resultado de aquello que sucedió en cierto momento determinado, una sola vez, y de esa única manera, en la que siempre estará adherida la marca propia de su referente. 

A medida que avanzamos en la lectura Barthes se retrata como un individuo expresivo y critico a la vez, podemos constatar su formación y desarrollo psicoanalítico, semiológico y sociológico. Somete y convierte a la fotografía en su objeto principal de estudio y análisis. 

Desarrollando tres aspectos fundamentales mediante los que podemos estudiar a la fotografía.

Por una parte está la acción de fotografiar, depende del sujeto que manipula la cámara. Luego está la experimentación, que se refiere al objeto(s) fotografiado(s) al referente. Por ultimo tenemos a la mirada, que es aquello que proviene y sucede en  quienes observan estas imágenes, los espectadores.

Barthes explora este fenómeno situándose en el lugar del espectador que mira determinado referente, ejercicio que pone en práctica en sus propias imágenes, para de esta manera tratar de desplazar el acto que realiza el fotógrafo que simplemente acciona. Para tratar de conocer a profundidad cada uno de estos elementos en cuestión. Se adentra, cuestiona las implicaciones inscritas dentro del YO MISMO como EL OTRO, todo lo que transforma al individuo en objeto. Descubriendo universos en donde coexisten las imágenes propuestas por el accionar y el fotógrafo con aquello que los espectadores construyen a partir de lo que les es propuesto. 

Este proceso difícilmente puede ordenarse de manera coherente, ya que intervienen demasiados elementos, se mezclan sensaciones desbordantes, diversas y muy distintas variables, se crea una tensión tal,  que se provoca una micro experiencia similar a la muerte. El fotógrafo se convierte en una especie de fantasma. La fotografía se vuelve fragmento, huella y testimonio ratificador de la existencia de un sujeto u objeto especifico que ha sido de cierta manera dentro de una determinada temporalidad. 

Con respecto a las fotografías de su madre, el autor como referente directo, experimenta un discurso más íntimo, significativo, transgresor y trascendental. Para el espectador común este fenómeno no tiene la misma relevancia o sentido, quizás lo que predominaría al momento de analizar la imagen, sería el studium, los elementos representativos de la época, la moda, el estilo, el ambiente, etc. Las imágenes no provocarían en nosotros una herida. El autor hace evidente y notoria la relación  co-natural presente entre la fotografía con su referente. Aquí la fotografía es una huella de la existencia de lo vivencial/ real que nos remite a un pasado que se conecta con la muerte. Por esta razón también menciona que la fotografía está dotada de inmovilidad, tiene la habilidad de congelar ciertos sucesos. 

El autor invita a reflexionar y cuestionarnos de manera más razonada en lo que acontece durante la vida y la muerte, viendo a la fotografía de manera paradójica, capaz de producir muerte cuando lo que se pretende es conservar la vida. La fotografía se convierte en una certeza inmediata, es la reproducción de algo que ha sucedido en determinado momento, es falsa a nivel perceptivo, verdadera en cuanto a una temporalidad definida y específica, la cual se fragmenta posteriormente, se convierte en lo que ya no está ahí, y también en lo que alguna vez estuvo ahí.  Así pues, la verdad actual es constante y exclamativa, representa lo que es en tiempo presente, en ese justo momento.

Es evidente la frustración e impotencia del autor a lo largo de la lectura, presente de manera más significativa a partir de la segunda parte, es la imposibilidad de la presencia tangible y palpable que tanto anhela, el poder restituir y restablecer al ser que perdió, y que ya no está al alcance, de no poder encontrarlo o apoderarse de el a través de las imágenes. La cámara lucida es una reflexión muy emotiva, íntima y profunda de la necesidad por recuperar la esencia del sujeto, lo único que verdaderamente no puede corromper el tiempo.