Comentario Magistral con Marco Lara.

Se avecinan las nuevas tecnologías!!!

El invitado para desarrollar ésta conferencia fue Marco Lara, profesor  de fotografía egresado de la ENPEG “La Esmeralda”. Realizo una charla introductoria a manera de crónica anecdótica, de cuáles eran sus principales inquietudes, la experiencia que tuvo al estar estudiando y experimentando con diversas técnicas y plataformas, y como es que al final encontró en lo digital, la tecnología, y la fotografía su campo de acción y expresión por excelencia. Ya que había visitado con anterioridad un sinfín de exposiciones y trataba de relacionarse con todo este universo de manera profunda y directa, de conectar con aquello que era su objeto y razón de estudio, pero todo aquello nunca lo sacudió y resonó de la manera en la que lo hizo la fotografía sumada al universo de lo tecnológico.

Lara se considera un geek de corazón y es asiduo defensor de las nuevas propuestas, que se ayudan y apoyan en el desarrollo y el avance tecnológico, cree que es en estos círculos donde se encuentra inscrita la nueva corriente efectiva dentro del arte, un verdadero campo inexplorado, que representa un área de oportunidad para todos aquellos que quieran incidir dentro del arte. 

A mi manera de verlo, el planteamiento hecho por Lara es interesante, para mí en lo particular, lo que me llama más la atención, y que a veces tiende a escaparse de mi atención, es la rapidez y facilidad con la que la tecnología desecha medios de producción y difusión, de cómo estos cambian de un instante a otro, y lo importante que es tener esto en cuenta y en la mira, pues dentro de esta cuestión está la vida útil o el inminente deterioro de la obra que se va generando en distintos momentos dentro de estos cambios, provocando con esto, objetos que más adelante se tornan obsoletos o inservibles.

Es interesante esta cuestión de mantenerse alerta de estos cambios, avances y procesos dentro de lo tecnológico, y sobre todo no cerrarnos a conocer y entender más de cerca cómo es que funcionan, y si es posible prever lo que se viene y tomar las debidas precauciones. Sin embargo creo que tampoco debemos colgar en lo más alto del pedestal a lo tecnológico y creer que es ahí donde reside el futuro y la mina de oportunidad para el artista, pues es claro que también, dentro de este universo, existe una gran inestabilidad, y los cambios son cada vez más rápidos y abruptos.

Creo que lo más adecuado es conocer, experimentar y asimilar dentro de estos universos  todo cuanto se nos presente, mantener una mente abierta y dispuesta a encontrar las herramientas más prácticas, afines, funcionales y útiles para lo que queremos lograr, trabajar, producir y expresar.

ENSAYO PREMIO HASSELBLAD

PREMIO HASSELBLAD

El Premio Internacional de la Fundación Hasselblad, también conocido como Premio Hasselblad, es un galardón sueco equivalente a 110.000 euros, es otorgado anualmente por la Fundación Erna y Víctor Hasselblad, para reconocer aquellos fotógrafos que han realizado una labor destacada dentro de su campo.

En el siglo XXI fue creado el Premio Hasselblad de Maestros dirigido a aquellos fotógrafos con una incidencia importante dentro del campo de la fotografía artística. Cada año el comité ejecutivo de la compañía Hasselblad escoge y otorga este distintivo junto con la publicación de un libro de gran formato que contiene los trabajos de los fotógrafos seleccionados.

A continuacion presento una seleccion que contiene algunos de los ganadores de este reconocimiento y quienes a mi parecer tienen un trabajo admirable, inspirador y que posee cierta resonancia en mi.

Malick Sidibé (1936-78 años)

Fotografo de Malí

Nació en Soloba, estudió dibujo y joyería en la Escuela de Artesanos Sudaneses. En 1955 entró en contacto con la fotografía y en 1958 abrió su propio estudio (Studio Malick) en Bamako, se especializo en la fotografía documental. 

A partir de la década de 1970 se centró en los retratos de estudio. En 2003 recibe el Premio Hasselblad y en 2009 el premio PHotoEspaña Baume et Mercier a su trayectoria profesional en el ámbito de la fotografía. Su habilidad y destreza se expresan sin igual en su desarrollada condición de retratista, así como la sensibilidad y personalidad presente en cada una de sus obras.

Me llama mucho la atención la manera en la que Sidibé logra reflejar, de manera aparentemente sencilla, esta autenticidad casi palpable dentro de las escenas que retrata, en la mayoría de ellas se trasluce una complicidad entre él y los sujetos retratados.  

Su fotografía es bastante simple, aunque no por eso menos interesante o digna de mención, abundan escenas cotidianas, de su ambiente, de lo familiar, cultural y social, en donde lo fascinante reside en la manera tan genuina en como las representa. La mayoría de su obra fotográfica consta de retratos y escenas típicas, en blanco y negro, implementa el uso de cicloramas (especialmente de rayas ascendentes), fondos texturizados, o motivos decorativos, para dirigir la mirada del espectador y centrar su atención. Es a través de estos elementos, que compone y crea un espacio, en donde dimensiona y retrata a sus personajes. En ocasiones dentro de sus fotografías podemos percatarnos que es la misma ropa la que roba nuestra atención, dota de personalidad y vida al encuadre, mientras que refuerza y refleja esa característica tan peculiar y dominada a la perfección por este fotógrafo de Malí. Tiene un don  bastante claro para fusionar e integrar estos elementos, y sintetizarlos en una gran toma con voz propia y verdadera. Para Sidibé el arte nos permite ir más allá de las fronteras y a su vez esta es la mejor manera de atravesar estas fronteras.

Ansel Easton Adams (1902-1984)

Fotógrafo Estadounidense

Reconocido y afamado mundialmente por sus fotografías de paisaje en blanco y negro, las más famosas y relevantes son del Parque Nacional Yosemite de Estados Unidos.  Adams posee una habilidad para retratar y reflejar la majestuosidad a través de un pulido y medido manejo de contrastes entre luz y sombra.

Su labor y obra estuvieron centralizadas y enfocadas en captar la belleza y magnificencia  presentes dentro de la naturaleza de los Estados Unidos. Sin duda alguna era un individuo que conocía a profundidad su herramienta de trabajo, hasta donde forzarla y todo lo que podía lograr con ella. Sus fotografías se han convertido en auténticos iconos representativos de la belleza natural estadounidense. Cabe destacar la manera en la que es capaz de dotar de esta cualidad de grandeza, casi que se puede percibir, invade la mayoría de sus fotografías y es el elemento principal a comunicar. Es interesante como utiliza la ausencia del color para evitar distracciones y volcar la atención a la composición y lo que evoca.

  Utilizo su reconocimiento, posición dentro del medio y su obra fotográfica para dar a concientizar y proteger la naturaleza salvaje norteamericana. Lucho por defender la conservación del paisaje natural y de la vida animal. Su trabajo más destacado y afamado incluye imágenes del Parque Nacional Yosemite, El Cañón del Colorado, Yellowstone, Las Montañas Rocosas, etc.

Waalid Raad (1967- 47 años)

Fotógrafo y Artista Multimedia Libanés

Con el fin de documentar e investigar la historia contemporánea del Líbano, este fotógrafo ha experimentado con nuevas y diversas maneras de acercarse a las imágenes de guerra, explorando a través del arte conflictos políticos y sociales. Su trabajo expone principalmente el cómo la historia puede ser contada, fabricada o construida de un sinfín de maneras.

Desarrollo una serie de fotografías de coches recortados, estos fueron utilizados como coches bomba y los acompaño de textos en árabe que detallan la fecha, hora, lugar, el número de víctimas y hasta la carga y el tipo de explosivo de esos vehículos.  Sus obras y montajes suelen ser de gran formato, en ocasiones son acompañadas de proyecciones  o inscritas en montajes específicos. Dentro de sus obras los documentos sumergen los datos históricos dentro de este nuevo universo imaginario.

Raad emplea el archivo para cuestionar la naturaleza de la obra de arte, más allá de esto, nos hace reflexionar en la manera cómo creamos nuestras propias imágenes y cómo las descodificamos.

Por medio de su trabajo fotográfico se cuestiona la iconografía propia de la fotografía de guerra y genera una reflexión sobre la memoria, aquello que vemos, la crueldad y la violencia.

Algo que me parece verdaderamente fascinante es la diversidad de temáticas, maneras, formatos, materiales y oportunidades de comunicación que existen dentro del universo fotográfico y que van más lejos del simple retratar. Es una cuestión que reside  más bien en localizar y entender lo que quiero decir, en generar a partir de ello, un método de creación que refuerce, proyecte y refleje esa intención en todo su esplendor, con la mayor claridad y especificidad posible.

Jeff Wall (1946-68 años)

Fotógrafo Canadiense

Interesado desde muy pequeño por la pintura y el dibujo, inspirado y motivado por las reproducciones de grandes pintores como Rembrandt, Michelangelo, Piero della Francesca convenció a su padre de sus dotes artísticas y consiguió que se acondicionara un cobertizo en la parte trasera de casa para poder utilizarlo como estudio. Experimentador asiduo de lo novedoso, principalmente las corrientes conceptuales y minimalistas. Se formó y gesto durante una época de efervescencia cultural y artística importante.

Aprendió de forma autodidacta la fotografía, la selecciono como herramienta predilecta y favorita para expresar sus ideas conceptuales. Su obra ha permitido definir el llamado fotoconceptualismo. Sus fotografías son cuidadosamente planificadas, como la escena dentro de una película, controla hasta el más mínimo de los detalles. Sus composiciones se encuentran previamente pensadas y estructuradas, recreadas o re imaginadas, a partir de clásicos pintores. No fotografía nada de primera mano, solo piensa, vive y experimenta los momentos que después recrea dentro del cuadro. 

Su manera de fotografiar es a partir de una construcción. Su trabajo tiene por ende, en la mayoría de los casos, por una  cualidad narrativa. Que se genera por cada uno de los elementos que la conforman, cada cosa esta pensada y tiene una función comunicativa y expresiva. 

Trabaja formatos bastante grandes que obtiene realizando transparencias colocadas en cajas de luz. Sus fotografías retratan temáticas políticas y sociales, sobre el racismo, la violencia, la pobreza, presentes en las calles y los conflictos de género y de clase social.

David Goldblatt  (1930 - 83años)

Fotógrafo Sudafricano

Creció en un entorno bastante liberal y tolerante para la época, fue criado por una nana negra, provenía de una familia blanca acomodada, era hijo de un abarrotero, nieto de migrantes lituanos de origen judío. Fue a través de la ideología afrikáner que  se vio envuelto en una posición moralmente compleja, pudo ser participe del maltrato y las humillaciones sufridas por la población negra. A partir de la implantación del apartheid se cuestionó la manera en la que podría alcanzar la tranquilidad y paz mental, siendo un hombre blanco y judío, y más aún dentro de un país donde el racismo estaba prácticamente institucionalizado.

A través de su fotografía descubrió un modo particular de hacer política, de asumir una posición moral, de analizar y exhibir las verdades, peculiaridades y realidades de su país.

Aunque su fotografía tiene claramente un tinte político se opone a que sean usadas como propaganda, como elemento particular de una militancia.  En sus fotografías no se retrata a nadie sin previo consentimiento,  siempre dentro de su contexto,  promulga y practica el respeto a la dignidad del otro, no existen la condescendencia o los delirios de superioridad moral. Es un retratista de realidades, tal cual las percibe, con sus tintes y contrastes, en sus momentos más álgidos, o como sociedad fragmentada. 

En su fotografía se percibe casi que una necesidad de ecuanimizar a los sujetos, de nivelarlos, de darles el mismo sitio e importancia. Se centra principalmente en  revelar, acercar y dirigir al espectador a los detalles, utiliza la profundidad de campo siempre puesta al infinito. Su fotografía es reflexiva y meditativa, utiliza elementos básicos para crear sus atmosferas, se sirve de la luz para realzar las texturas y crear esos fascinantes contrastes.

William Klein (1928 – 86 años)

Fotógrafo Estadounidense

Rebelde de corazón, inconformista por naturaleza, antiburgués y libertario, tuvo una notable influencia dentro de la fotografía de la segunda mitad del siglo XX

Klein es un individuo obsesionado y apasionado con las multitudes, en todo lo que pulula y se moviliza dentro de ellas, es un claro observador de las oportunidades que ahí se encierran. De captar su esencia y de transmitirnos su peculiar forma d ver. Extrae lo necesario del caos urbano de las grandes ciudades y se sirve de ellos para crear su propio estilo, el cual era sumamente libre, informal, totalmente expresivo, muy en contraste y en oposición a la fotografía convencional.

Una de las cuestiones más destacadas, significativas y representativas del estilo de Klein es la mezcla de distancia y proximidad, presentes en la mayoría de sus obras. Sus recursos formales favoritos son indudablemente el close up y el gran angular, los utiliza para adentrarse y explorar a las multitudes que retrata. 

A través de la experimentación y libertad desenfrenada consiguió lograr panorámicas que parecen dar la vuelta al mundo y fusionarse en sus esquinas. Deformar los cuerpos de las mujeres, descubriendo nuevas dimensiones y puntos de vista inusuales y llamativos. Si algo ha permanecido y se ha mantenido cabalmente desde los inicios de su carrera es su independencia, el explorar lo poco convencional, el romper las reglas y lo establecido, y en seguir lo que te dicta la intuición propia.

CHRISTER STRÖMHOLM (1918-2002)

Fotógrafo y Pintor Sueco.

También se le conocía con el nombre de Christer Christian. Se le reconoce a nivel mundial por  sus famosos e íntimos retratos en blanco y negro, tomados en las calles de la escena parisina, luchó por dotar de mayor visibilidad a la comunidad transexual de París, principalmente durante los inicios de los años ochenta.

Strömholm fue estudiante, y mas adelante profesor de arte, tutelado por Waldemar, Dick Beer y Winkler. Formaba parte del grupo Otto Steinert Fotoform, que pertenecía a la corriente de la fotografía subjetiva.

En 1997 publicó su libro Kloka ord (Palabras cuerdas) y más adelante en 1998 recibió el Premio Hasselblad.

Algo sumamente representativo de este autor y que encuentro cautivador y sugestivo son sus fotografías de transexuales en la Plaza Blanche de París. Sin duda causo polémica y revuelo en aquella época, seguramente fue mal visto y severamente criticado por retratar a este tipo de individuos. Es interesante, la comicidad y los ambientes que nos sugiere su visión y que presenta a través de estas peculiares imágenes, son dimensiones que no tenían presencia social en aquel entonces.

El compartió que fotografiaba porque la gente que trabajaba en los periódicos asumía que era alguien profesional por el simple hecho de llevar una cámara colgada al cuello, era algo que se le hacia fácil y además le pagaban en el momento, lo cual lo hizo todavía más atractivo y funcional para él.

Tuvo la oportunidad de retratar a famosas personalidades y artistas tales Léger, Duchamp, Man Ray, Le Corbusier.  Algo que cabe mencionar es que no tenía problema con ser retratado u objeto de una fotografía, de hecho lo encontraba placentero y agradable, esto lo menciona en su libro In Memory Of Himself.

Conferencia Magistral con Patricia Lagarde y Marianna Dellekamp.

La conferencia magistral del 10 de octubre básicamente ahondo y expuso el trabajo de dos fotógrafas y artistas, Patricia Lagarde y Marianna Dellekamp: ARS COMBINATORIA.

 

Patricia Lagarde

La temática principal de ambas artistas explora y se desarrolla fundamentalmente con todo lo relacionado con el acopio, la documentación, el registro, la apropiación, clasificación y acumulación de objetos, recopilación, en estas colecciones que se conforman, en distintos contextos y con diferentes sujetos. Su quehacer se centra en desarrollar una especie de  taxonomía y estudiar todas estas vertientes propias del característico fenómeno de coleccionar.

Patricia Lagarde comenzó dedicándose principalmente a lo fotográfico, a medida que continuaba desarrollándose, empezó a explorar otros soportes y formatos, más plásticos y artísticos, tales como el dibujo, el grabado, los libros de artista y los procesos más artesanales, relegados, antiguos y expresivos. 

Se percató de que su obra, al ser colocada en un muro, de alguna manera, perdía su fuerza de discurso, su capacidad narrativa podía desviarse, fue en ese momento en que decidió realizar montajes e instalaciones más ricas en contenido y formato. Menciono que para ella el soporte de una obra es igual de importante que la pieza misma. 

Uno de los formatos predilectos y más usados por Patricia es el Libro de artista, ella se dedica y encarga de realizar hasta el más mínimo detalle, disfruta enormemente de lo artesanal, antiguo y expresivo propio de este formato. Tiende a manejar tirajes cortos, considera y califica este medio como un soporte “ideal” para la fotografía.

Su obra refleja una clara admiración y debilidad por el siglo XIX, consiste en una serie de ambrotipos, placas de 14x10, en las que aparecen retratados objetos de la vida cotidiana, vestigios de una vida que ha terminado y otros tantos que se han ido sumando. 

Para ella, todos los objetos son polisémicos, el contexto les brinda distintos y diversos significados, por esta razón los objetos son colocados  a la misma escala, sin colores, con el mismo fondo, para darles otro significado y dimensión. Su carácter único e irrepetible enaltece su valor y los convierte casi que en reliquias. Por otra parte la artista señala fundamental y sumamente importante realizar un registro de todo proyecto artístico a manera de bitácora, en este pueden incluirse, dibujos, notas, escritos y collage. Señala que llevar un índice es esencial, lo considera la columna vertebral y principal vía de conexión.

Marianna Dellekamp

 La siguiente expositora de la tarde, fue la artista Marianna Dellekamp, quien desarrollo un proyecto titulado: La biblioteca de la tierra. A grandes rasgos este proyecto consiste en generar y crear una especie de biblioteca, Los volúmenes que la constituyen, tienen ciertas características específicas, la artista mando una convocatoria vía redes sociales para reclutar a los primeros interesados. Los sujetos debían mandarle un kilo de tierra proveniente de su lugar de origen, dicha tierra seria almacenada dentro de un “libro-recipiente” de acrílico. 

La biblioteca cuenta actualmente con alrededor de 460 ejemplares, cuenta con el apoyo del FONCA y el de la Universidad de Monterrey. Se ha presentado en la feria del libro, diversas editoriales, en el MAM, La Miscelánea (Col. Roma) y dentro del CNA. En este proyecto puede apreciarse la variedad de pigmentos que existen entre una tierra y otra. 

Marianna es la responsable autora y encargada de todo lo relacionado con esta biblioteca de la tierra, aunque al día de hoy ella considera este un proyecto colectivo que debe quedar en manos de la humanidad y no esclavo de un museo o como posesión de un solo individuo. Marianna compartió varias anécdotas y peripecias que se han suscitado desde que inició este ambicioso proyecto, aunque aún sigue vigente, está buscando la manera de cerrar y dar por concluido el proyecto, o delegar la enorme responsabilidad y trabajo a una fundación. 

Por ultimo ambas comentaron que no tienen problemática alguna en contra de las nuevas tecnologías. Patricia señalo que lo único que le molesta es el poco cuidado o descuido que puede apreciarse en las impresiones mal hechas y de bajo costo, las cuales considera comunes en la actualidad, consecuencia de la poca atención, cercanía y difusión con los procesos de antaño, que nos obligaban a conocerlos e involucrarnos de otra manera.

Fotógrafos del siglo XX.

La fotografía del siglo XX refleja una clara y marcada evolución dentro del campo de lo expresivo, y  es desde este sitio que comienza a gestarse una conciencia moderna y diferente.

Partiendo de los antecedentes vividos en la revolución industrial y a finales de la primera guerra mundial periodistas, artistas e ilustradores de diversas partes del mundo comienzan a adentrarse en el campo de la fotografía, iniciaron una profusa búsqueda dentro de sus procesos y mecanismos con el afán encontrar indicios de la sustancia que conformaba la sociedad industrial contemporánea.



Se desean conocer y experimentar nuevas maneras de proponer, explotar, desarrollar, comunicar y descubrir todos estos recovecos expresivos. En este momento comienza a desarrollarse un movimiento llamado la nueva objetividad, el cual se caracteriza por enfatizar por medio de una contemplación minuciosa y reflexiva de los detalles. Se opone a la fotografía directa y propone una construcción planeada de manera previa. Desaparece esta obsesión por capturar el momento justo del acontecer, hay una clara búsqueda de sugerir, crear y reflejar cuestiones más pensadas, elaboradas, controladas, trabajadas y estructuradas. Existe una mayor introspección e intención previas a la captura de las fotografías. Las fotografías se vuelven portadoras de intenciones y mensajes expresivos más complejos y particulares. 

A continuación se expondrá de forma muy breve  a varios de los fotógrafos más relevantes y representativos del siglo XX.

August Sander (Alemania, 1876 – 1964)

De orígenes muy humildes, hijo de un carpintero que trabajaba en las minas alemanas, se topa con la fotografía en la adolescencia y casi por casualidad divina o predestinada, cuando un fotógrafo le pide asistencia y guía para moverse dentro de esta zona minera que conocía a la perfección.

 Mirar al mundo a través de la lente cambia por completo su manera de ver el mundo, se apasiona y decide estudiar fotografía. Es gracias a un pariente que Sander logra comprarse una cámara, luego construye un cuarto oscuro donde realiza sus primeros revelados.

Más adelante, como resultado colectivo de varios viajes realizados en distintas partes de Alemania Sander se plantea su primer proyecto fotográfico personal. Básicamente Sander se dedicó a retratar a diversas personas en un determinado momento y  con una particular condición social, principalmente a trabajadores de la zona. Los personajes retratados en estas fotografías serian anónimos y estas obtendrían sus nombres o categoría por el oficio que ejercían los diferentes sujetos.

Parte de esta experiencia decantaría en su obra más grande, los Hombres del siglo XX, una de las razones por las que es altamente reconocido. No solo por esta colección de retratos, sino por la forma de retratar a estos sujetos, su condición social, el momento tan particular en el que lo hizo, el increíble esfuerzo  y  el peligroso trabajo que represento el poder captarlos.

Edward Weston (1886 – 1958)

Fundador y miembro representativo de los angeles camera pictorialist (1914). Aludía a una reflexión previa y estructurada en la que debía decidirse de manera previa lo que deseábamos capturar con el lente de la cámara. Recibe una invitación de la mano de Diego Rivera para conocer la ciudad de México, este decide visitarla en compañía de su pareja sentimental en ese momento, Tina Modotti. Quien de cierta manera también causaría cierta polémica y revuelo durante su estancia, obteniendo cierto protagonismo y reconocimiento por su obra fotográfica. En México tiene contacto con Frida Kahlo  y el reconocido fotógrafo mexicano Manuel Álvarez Bravo. La mayoría de su obra fotográfica se realizó en placas de gran formato, esto se lograba a través de una impresión por contacto.

Louis Víctor Emmanuel (1889 – 1972)

De origen francés, inicio su formación como pintor en la escuela de bellas artes de Burdeos, también abordo los campos de la filosofía, la crítica, y finalmente se decidió de lleno por la fotografía. Fue exponente y partidario del movimiento de la nueva objetividad, al igual que muchos de los que pertenecieron a este grupo, realiza fotos construidas, sus obras se oponen al impresionismo, trata de crear situaciones expresivas. Buscaba de manera cabal y constante desarrollar una comunidad que brindara mejores condiciones a los fotógrafos y en las que la fotografía fuera considerada de manera artística e independiente. En 1936 fungió como fundador del grupo El rectángulo. Se le reconoce y admira principalmente por sus naturalezas muertas.

Bragaglia (Italia 1890 – 1960)

Se interesaba de manera particular por captar y retratar el dinamismo y la movilidad, parte de la influencia que le quedo de trabajar junto a su padre en el campo cinematográfico. Es considerado un reconocido maestro y exponente relevante de la fotografía futurista. Para el la velocidad era la estrella de sus puestas en escena. La mayoría de sus obras tienen como característica la doble exposición, esto no solo  creaba  imágenes fuera de este mundo, llenas de magia y fantasía, sino que agregaba vida y movimiento dentro de una misma foto. Mas adelante publicaria el tratado del Fotodinamismo, aquí se profundizaría, de su propia mano, sobre esta idea particular del movimiento.

László Moholy Nagy (Hungría 1895 – 1946)

Abandono sus estudios previos en el campo del derecho para dedicarse a las artes, luego incursiono dentro de la Bauhaus como pintor, maestro  y fotógrafo (1923 a 1928). Tenía un marcado gusto y debilidad por los contrastes de luz y sombra, el juego de estos elementos, lo oculto y lo expuesto, el claro/oscuro y sus  diversos resultados. Más adelante se dio a la tarea de fabricar objetos para después retratarlos en estos sets con luces creadas y estudiadas. Tenía un gran conocimiento de la incidencia de la luz y sobre la concepción del espacio. Incursiono en la fotografía experimental y en sus procesos al igual que el fotógrafo Man Ray.

Ansel Adams (1902 - 1984)

Celebre fotógrafo estadounidense, reconocido principalmente por sus fotografías de paisaje, estas retrataban de manera majestuosa, en blanco y negro, las maravillas del suroeste estadounidense. En la mayoría de sus fotografías podemos apreciar tomas y encuadres de gigantescas nubes, enormes árboles e inmensos desiertos, como el monte Yosemite. Publicó un manual sobre fotografía llamado La Cámara, El Negativo y La Impresión, en el que mencionaba la manera adecuada de recrear la situación perfecta para realizar una toma. Parte importante de los miembros fundadores  del grupo de F/64, al lado de  otros reconocidos fotógrafos tales como Edward Weston e Imogen Cunningham. Su obra se caracteriza por  ser parte de una toma directa, el cuidado y sentido de composición, una gran profundidad de campo, todo esto lo hacía en placas de 18 por 24.

Manuel Álvarez bravo (1902-2002)

Es considerado uno de los grandes y más sobresalientes exponentes dentro de la fotografía mexicana. Profundo admirador de la obra de Cartier Breson, tenía una marcada tendencia por la fotografía surrealista y fantástica. Inspirado en la academia de San Carlos y  movimiento del pictorialismo, comienza a tomar fotografías para diversos pintores muralistas, tales como Orozco, Siqueiros y Rivera.

Bill Brandt (1904-1983)

Fotografo de origen inglés, su obra se caracteriza por el uso del gran angular, es en blanco y negro, por la toma de vistas y ángulos inusuales, trata de capturar y reflejar, a través de ellas, la justicia, la poesía y el amor. Sus fotografías de desnudos denotan formas surreales y muy estilizadas, que muestran proporciones irreales. Parte de su obra se enfoca principalmente en escenas de la cotidianeidad de la clase media y obrera, de los años 30’s y40’s, durante la crisis económica. Destaca el uso de la luz y sombras para acentuar atmosferas. También trabajó como asistente de Man Ray.

Weegee (1899 - 1968)

Su verdadero nombre era Arthur Fellig, Weegee era su apodo y como se le conocía. Aunque es de origen polaco es considerado un importante fotógrafo norteamericano, por ser este el lugar en el que desarrollo y marco profundamente su obra. Inicio su trabajo fotográfico captando las inmensas calles de la urbe neoyorquina. Trabajo para la policía y parte de su labor consistía en documentar los accidentes que ocurrían en las calles. Gran parte de su obra fue publicada en revistas como Vogue y Life. Debido a esto se vio forzado a utilizar cámaras de gran formato. Poseía una necesidad casi enfermiza con tintes de locura pura que lo llevaron a provocar y agredir de manera consciente e intencional a las personas que transitaban en las calles, ya fuera levantándole la falda a las mujeres al mismo tiempo que accionaba su cámara.

Diane Arbus (1923-1971)

Neoyorquina de nacimiento, inicio su quehacer fotográfico al lado de su esposo y en el campo de la moda. Más adelante comenzaría el proyecto personal de fotografiar la subcultura de la ciudad de Nueva York. De forma premeditada y consciente buscaba retratar a los marginados y anormales. Poseía una notable habilidad para fotografiar a estos peculiares sujetos, parecía comprenderlos de una manera especial, sus fotografías reflejaban una profunda conexión y empatía. Logra capturar su esencia y extrañeza. Muere en 1971, ella misma se quita la vida.

Cecil Walter Hardy Beaton (1904 -1980)

De origen británico, fue un reconocido fotógrafo, también fue un diseñador de vestuario y  escenografía. Sus retratos muestran una búsqueda constante por alcanzar una perfección, en el detalle, el sujeto, la composición y la atmosfera en cuadro. Tiene un gusto marcado por el retoque fotográfico, su trabajo refleja una profunda influencia del pictorialismo artístico. Retrata a sus personajes en fondos y ambientes que  se funden con ellos a la vez que refuerzan y complementan la toma final. Su obra se caracteriza por reflejar sofisticación, sensualidad, teatralidad, protagonismo del sujeto retratado y ambientes sugerentes que complementan la composición. Retrato innumerables  y diversas celebridades, tales como Marilyn Monroe.

Ernst Hass (1921 - 1986)

De origen austriaco, cuenta con una formación previa como pintor. En sus inicios se dedicó al fotoperiodismo. A raíz y después de visitar un desierto mexicano comienza  a desarrollar ese colorido tan propio y característico dentro de sus obras. Experimento con la película de color de las cámaras de 35 y la forzó hasta sacarle todo el jugo, cambio el estilo previo de las publicaciones dentro del fotoperiodismo, que solían ser en blanco y negro, su trabajo fue publicado en múltiples y diferentes revistas. Pionero y reconocido por la manera en la que empleaba y jugaba con la luz y el color. Describe a la fotografía como una transformación y no una reproducción.

Sandy Skoglund (1946 - )

Fotógrafa norteamericana que propone la manipulación misma de la toma fotográfica sin tener que editarla posteriormente. Skoglund se encarga de diseñar, crear y componer el escenario a retratar, dirigiendo, decidiendo y aplicando cada detalle, desde los focos de luz, la ambientación, los sujetos y objetos y la manera en la que se van a conjugar dentro del cuadro

Magistral: Fotografía e instrumentos Fotográficos del siglo XX.

Partiendo de movimientos como el pictorialismo que tenía como finalidad el tratar de imitar el quehacer de la pintura, y de espacios en los que la fotografía respondía a necesidades tales como la de auxiliar a aquellos que no podían enfrentarse a un lienzo, o no poseían las habilidades para hacerlo, o de ayudar a los propios pintores a reducir los elevados costos de la contratación de modelos al retratar fotográficamente diversas poses, por otra parte muchas fotografías se retomarían o pasarían a ser los cuadros definitivos. 

De esta manera es como se van modelando y se empiezan a gestar las diferentes posibilidades que podían plantearse a partir del instrumento fotográfico.La cámara empieza a incidir en diversos ambientes, y a pensarse más allá del mero acto de retratar, esto sumado a los avances tecnológicos da como resultado el origen de nuevos aparatos fotográficos, dotados con cualidades especificas tanto de maquinaria como expresivas.

A mediados de los 20’s Kodak lanza al mercado La Kodack Vest Pocket Model, primera cámara que utilizaba una película plana. Permitía al usuario tomar 12 fotografías 4x4 a 46mm, desgraciadamente la obturación de esta cámara era fija, sin embargo podía transportarse fácilmente en el bolsillo de un chaleco, sus características más atractivas eran por una parte su reducido tamaño y por otro su portabilidad.  

Sin lugar a dudas una de las marcas más reconocidas y que desde sus inicio mostro una profunda preocupación por el desarrollo de cámaras atractivas e innovadoras capaces de satisfacer y llevar la experiencia fotográfica a diversos sectores era la marca Kodak, desarrollo diversos modelos como la Brownie, diseñada, pensada y dirigida a llevar esta experiencia inclusive a los integrantes más pequeños de la familia, era una cámara de bajo costo y con una interfaz amigable y sencilla.

Oskar Barnack se dedicaba por un lado a la construcción de microscopios y por otro lado le apasionaba la fotografía, cuestión que más adelante lo llevaría a desarrollar e inventar el uso de película plana para cámaras de 35 mm.  Lo más significativo y novedoso fue que permitía tomar un mayor número de fotografías (36) además de que era cómoda y fácil de transportar. Otro de sus inventos sería el primer prototipo de Laika,  por desgracia una de las desventajas que presento este modelo era que la mirilla no estaba situada a la misma altura que el lente, lo que devenía en problemas  para captar de manera precisa lo que se retrataba. Por otra parte estaba dotada de lentes intercambiables que daban mayor libertad y autonomía a los fotógrafos.

En 1936 Exacta daría respuesta a este problema, desarrollando lo que vendría siendo la  primera cámara réflex, esta nos permitía cambiar de rollo aun cuando este no se hubiera acabado, sin embargo el movimiento del espejo producía a su vez cierta irregularidad que nuevamente hacía de las suyas y no permitía la toma precisa de imágenes. Fue en este mismo año en el que se generó una sobreproducción de cámaras de 35 mm, ya que era un modelo que por todas sus características era el más atractivo, económico y funcional. Esto ayudaría a que se refinaran ciertas características, logrando fabricar rollos de mayor calidad y eficacia. Cabe mencionar que después de la guerra de Corea se utilizaban más este tipo de cámaras pues permitían realizar obturaciones más rápidas, a diferencia de las Laika que se preferían o eran preferidas en ámbitos como el del fotorreportaje. 

Más adelante surgen cámaras de doble lente como la Rolleiflex,  contaba con una película plana 120, 6x6 y solo podían tomarse 12 fotografias, su operación era marcadamente más lenta, se utilizó principalmente en complejos de revistas de moda. Manejaba un formato mayor y era visualmente muy llamativas y distintivas. A la par de esta increíble demanda se desarrollan cámaras como la Nikon F para la cual se elaboraron una infinidad de lentes intercambiables. Este boom dentro de la fotografía y la tecnología generaría a su vez el nacimiento de las cámaras amateur, que eran algo pesadas y estorbosas, pero que supuestamente permitían utilizar la cámara de una forma híper sencilla y eficaz, era la fotografía “perfecta” tras el accionar de un botón, por desgracia la obturación de las mismas era fija, y que a mi forma particular de verlo quitaba toda diversión, experimentación y conocimiento al acto fotográfico.

1948 se lograría un sueño que llevaba acariciándose por largo tiempo y que se haría realidad con la introducción de la cámara instantánea, en este caso la Land Camera de Polaroid, cámara sumamente estorbosa pero capaz de revelar una fotografía en menos de 60 segundos.

En 1957 surgiría la Hasselblad 500 CM, cámara réflex que utilizaba una película plana 120,  estaba provista de lentes y magazines intercambiables,  mayor velocidad de obturación y  se utilizaba propiamente en un estudio. 

Al tiempo y en base a estas necesidades se originaria la Toyo Field, cámara de placa 4x5, que permitia un tratamiento más dinamico y vascular del entorno por su cuerpo movible, aunque en ocasiones surgían líneas de distorsion dentro de la perspectiva, se utilizó en gran medida para retratar arquitectura y paisajes. 

Como parte de la modernidad y el desarrollo tecnológico, empieza a generarse y gestarse la idea de fotografía digital, y es entonces cuando Kodak lanza al mercado la Kodak DCS 100, la cual sería considerada como la primera cámara réflex digital, tendría un costo elevadísimo en aquel entonces rondaba los 15,000 dólares, permitía sacar fotografías con una resolución de 1521x1012 pixeles, que no son ni 2 megapixeles.

Hoy en día esta característica es superada de manera extraordinaria por la mayoría de nuestros gadgets e instrumentos tecnológicos de uso común, lo cual pone en evidencia no solo la manera tan increíble en la que avanza la tecnología, sino también la diferencia de costos y la rapidez con la que evolucionan.

Ensayo sobre Pedro Meyer y Joan Fontcuberta.

Pedro Meyer es un fotógrafo español nacido en Madrid en 1935, con calidad de inmigrado en México, se le considera uno de los exponentes más representativos dentro de la fotografía mexicana contemporánea. Fundo y fungió como presidente del Consejo Mexicano de Fotografía, colaboro como uno de los organizadores de los primeros 3 Coloquios Latinoamericanos de Fotografía.

Creador y director del revolucionario portal web ZoneZero, que concentra y resguarda el trabajo de miles de fotógrafos alrededor del mundo. Este fue, sin duda alguna y en aquel momento, uno de los sucesos más innovadores y propulsores para la fotografía Mundial.

También Es el responsable del proyecto Herejías, que básicamente consistió en la formación del primer acervo fotográfico-digital, único por su magnitud a nivel mundial (compuesto por más de trecientos cincuenta mil fotografías) y sesenta exposiciones paralelas en diecisiete países alrededor del mundo. Conto con la participaciones de distintos curadores, que tuvieron entera y total libertad en el proceso curatorial, haciendo cada una de estas muestras diversas y distintas, en montaje y propuesta. Como consecuencia de este increíble esfuerzo surgiría más adelante la Fundación Pedro Meyer.

Se le atribuye la publicación del primer CD-ROM compuesto e integrado  en su totalidad por imágenes  y sonidos. Este lleva por nombre: “Fotografío para Recordar”.

A resumidas cuentas, Fotografío para Recordar es un importante y personal testimonio que podría plantearse como un recorrido anecdótico, trata de capturar los momentos más significativos y representativos,  a través de una crónica de imágenes expone y relata la difícil situación que experimentan sus padres ante el inminente e inevitable momento de su muerte. Es un vistazo muy de cerca y a todo detalle de todo este proceso y del deterioro físico propios de esta última etapa de la vida de una persona. Captura las imágenes con el objetivo de preservar esos instantes, para ayudarse a procesar y asimilar más adelante todo lo que aconteció en aquel momento.

Es el autor de los libros “Tiempos de América”, “Espejo de Espinas”, “Los Cohetes duraron todo el día”. “Verdades y Ficciones”: que constituye un viaje que pasa de la fotografía documental a la digital. Más adelante y con el objetivo de impulsar la educación sobre la fotografía funda y erige el Foto Museo 4 Caminos en el 2014.

Es evidente que no se puede hablar de fotografía, y más en México, sin tocar o hablar sobre Pedro Meyer, pues es indudable el número de aportaciones y contribuciones que ha brindado  en todo lo referente a la cultura de la imagen fotográfica entorno a las nuevas tecnologías. Actualmente además de ser un artista muy prolífico y en constante transformación, su trabajo personal sigue generando y cuestionando preguntas filosóficas y explorando los cambios que devienen de las nuevas tendencias tecnológicas.

Desde aquel momento en el que adquirió su primera computadora en 1983 y hasta la actualidad, es claro que Meyer es y seguirá siendo un individuo que continuara cuestionando a perennidad los límites que existen y enmarcan la ficción, la verdad y la realidad. Para el la fotografía digital puede entenderse como la liberación absoluta de cualquier compromiso con la realidad. Puntualiza que es de suma importancia quitarle a la fotografía ese carácter de reflejar la realidad de manera fidedigna. Debemos percatarnos que justo desde el momento en que realizamos un  cierto encuadre, que retocamos un color, o provocamos una distorsión con un determinado lente estamos alterando la realidad.

También considera que todas las fotografías son interpretativas y que los días de la fotografía testimonial  han alcanzado su final. Su obra es un recordatorio permanente que desafía el arte de todo aquello que retrata, mediante la exploración y experimentación digital lleva sus retratos a nuevas dimensiones y proponen a su vez otras realidades.

Meyer señala y persiste en la importancia de evidenciar, entender y estudiar las propuestas innovadoras, las nuevas oportunidades y las problemáticas que devienen de los acelerados cambios y adelantos que se viven en el plano de lo tecnológico.

Hoy en día no solo basta con afilar el ojo y educar la mirada, sino también hay que reflexionar la forma en la que contemplamos y percibimos aquello que nos rodea, y en base a un exhaustivo análisis, tratar de evidenciar y puntualizar, innovadoras o distintas maneras de representación apoyadas en las recientes plataformas tecnológicas. Que pueden o no proponer cosas nuevas o evidenciar las problemáticas actuales.

Meyer hace hincapié en debemos educar a las personas en su consumo de imágenes, tratando o intentado producir imágenes de manera más adecuada, porque aunque la fotografía es algo que cada vez está al alcance de más individuos estamos generando una cultura visual escasa y desprolija.

Creo que si seguimos actuando de manera tan imprudente y desinteresada,  estaremos indudablemente arriesgándonos a caer en un irreparable y confuso sinsentido, que podría exterminar a lo que representa y conocemos hoy en día como fotografía.

Otro fotógrafo que ha ahondado y profundizado en las capacidades y cualidades propias de la fotografía digital y los adelantos tecnológicos es el artista y fotógrafo español Joan Fontcuberta i Villà. 

Desde sus inicios ha cuestionado la manera en la que estructuramos y entendemos a la fotografia.

En correlación con Meyer, Su obra fotográfica se caracteriza por llevar al límite la frontera entre realidad y ficción. Juega constantemente con la lógica de la realidad.

Sin embargo Fontcuberta cuenta con un trabajo más profuso y abocado a la construcción a partir de la manipulación digital característica del proceso de postproducción.

 Cree que las imágenes siempre mienten pues está inscrita en ellas el interpretar lo que retratan.

Fontcuberta señala que a diferencia de lo que se suele pensar la fotografía no es una ventana clara y transparente que refleja de manera verdadera la realidad, sino que cada vez que pulsamos el disparador de la cámara engendramos una mirada que está influida por una cultura tecno-científica propia de la actualidad en la que estamos inmersos, que se encuentra infatuada y obsesionada con la memoria, la verdad, la acumulación y la fragmentación.

Fontcuberta hace hincapié en que debemos evidenciar la apabullante cantidad de opciones de manipulación que podemos incidir en un solo pixel, y como esto dota de cualidades casi que propias del campo de lo pictórico, dando como resultado una rica e infinita paleta de posibilidades de concebir a la fotografía digital. Fenómeno al que define como un tsunami revolucionario. Expone que la fotografía analógica, a la que deberíamos referirnos como fotoquímica se inscribe y que la digital se escribe. 

Otra de las tendencias propias de la modernidad en el plano de la manipulación digital es la transgresión o sustitución simbólica que se hace sobre el cuerpo, en las fotografías de celebridades o personajes famosos para los artículos o las portadas de revistas. 

El retoque o la sustracción de elementos dentro de una fotografía para alterar los significados. Fontcuberta evidencia que hoy en dìa hay una mayor preocupación por el consumo o la acumulación de imágenes, en consecuencia se ha llegado a superar con esto la acción de mirarlas o contemplarlas,  es inminente que se debe educar el consumo.

A partir de lo que proponen tanto Meyer como Fontcuberta, creo que es de suma importancia que  dejemos atrás, de una vez por todas, esta idea de ligar lo real y lo verdadero con el acto de fotografiar o lo retratado, ya que queda claro que este fenómeno actual dista mucho de reflejar tales principios y realidades. En su lugar adoptemos y hagamos cancha a todo aquello que nos acerca y evoluciona  la manera en la que concebimos y constituimos todo cuanto abarca la fotografía, es primordial incluir y apoyarnos de estas nuevas tecnologías y herramientas para desarrollar nuevos modelos o vías de representación, es inminente que nos preguntemos en como esto afecta a este universo fotográfico, en cómo estos cambios han hecho que este mute y se replantee de tan diversas y múltiples maneras.

¿Como podemos adaptarnos a estos acelerados brincos tecnológicos? ¿como o cual sería la mejor manera de aprovecharlos, que funcionalidad podríamos aplicar a esta sobreproducción de imágenes? Creo que la respuesta sin duda alguna reside en la experimentación y la investigación a la par de la adaptacion a la evolución dentro de la ciencia y la tecnología.

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